maria vittoria news

si comincia da qui....

2007-03-06T12:54:00.000+01:00

Bene... si comincia...

vorrei che questo fosse un luogo alieno da politica, polemica, idee che vogliono salvare il mondo, bandiere, accuse...
E' possibile, per una volta, avere una stanzetta piccola dove raccontare e raccontarsi, ritagliata a forma di nuvola?
L'argomento preferito è l'arte contemporanea... partiamo da qui che per me è più facile... mi presento...
mi chiamo Maria Vittoria, faccio il critico d'arte ed il curatore, scrivo per una rivista... ed ho un progetto... che tengo ancora segreto, almeno fino a che non ci saranno concretezze maggiori.
Chi ha voglia di aiutarmi a dare vita a questo blog è il benvenuto, con le sue parole ed una piccola parte di sè... anche se di arte non ne sa nulla

diverse opinioni

2007-03-06T23:23:00.000+01:00

C'è un artista che amo molto, e sul quale scrissi anche molte pagine della mia tesi di specialità. E' Franko B. Per chi volesse conoscerlo il suo sito è www. franko-b.com/, altamente consigliato.
Presso lo stand della milanese Galleria Pack alla scorsa Artefiera, Franko B ha presentato i suoi ultimi lavori dal titolo "Black Paintings". In particolare, una di queste tele, raffigurante un ragazzo nudo seduto, è stato oggetto di uno scambio di opinioni tra me ed un giovane artista che stimo. Lui sostiene di essere stato turbato da quel quadro perchè ritiene che il soggetto sia troppo giovane e che non si ritraggano "bambini" nudi in quella posizione. Io, invece, non ho percepito affatto questo aspetto, ho considerato quel ritratto l'espressione di amore, e di una sorta di desiderio vissuto con rispetto della sua bellezza e quasi venerazione. Non ho puntato lo sguardo sulla probabile età del giovane. Sulla evidente omosessualità di Franko B, che conosco e perciò so che non ha nulla di ostentato, ritengo che ci sia chi ha il coraggio di mettere in mostra alcune verità di sè e chi invece le occulta. Penso anche che non sia necessario dire sempre tutto, ma che se qualcuno ha voglia di farlo, lo spazio ci sia soprattutto in arte, purchè si attenga al rispetto per gli altri. In quella tela non vedo alcuna violazione del pudore, non vedo nulla di sconveniente e nulla che possa turbare. Mi piacerebbe conoscere la vostra opinione.
Per vedere il quadro:
www.franko-b.com, nella sezione "gallery", cliccare su "latest works"... è l'immagine 22.

2007-03-08T16:01:00.000+01:00

Un nome nuovo, un nuovo cognome, nuovo aspetto, nuovo mondo... e nuovo modo di fare arte e di comunicare arte. Su Second Life, c'è la Grid Gallery, dove è allestita una mostra collettiva di artisti italiani. Ho guardato, girovagato, volato, scattato fotografie. Che fascino, che follia!

Grande idea, una mostra che c'è ma non c'è, opere vere che non esistono, o che esistono ma non sono vere. Veri artisti, tutti italiani, che cavalcano il futuro che è oramai già presente, che percepiscono e concepiscono realtà parallele, che confondono gli orizzonti senza perdersi, che progettano l'arte.

La Grid Gallery non è soltanto uno svago per cybernauti incalliti in cerca di nuove esperienze, è una sorta di gioco ragionato, apre prospettive infinite ed infinite speculazioni filosofiche.

Le opere? Alcune più belle, altre meno... ma è l'idea di allestire una mostra fuori dal mondo tattile che dona senso a tutto, ancor prima dell'analisi di ognuno dei lavori esposti... spazi alternativi a quelli consueti, vita alternativa. C'è da pensare.

Complimenti allora ai Direttori e Curatori della galleria, Mariabruna Fabrizi e Fosco Lucarelli, ed a tutti gli artisti:

Alessio Nunzi , Armin Barducci, Bardamu, Bombo, Came, Cimba, Federica Del Proposto, Gianluca Folì, Giovanni Simoncelli, Giulia Sagramola, Hannes Pasqualini, Ilaria Grimaldi, Kiakkio, Made.in.foodstock, Matteo Bergamelli, Nicoz Balboa, Riot Queer, Roberto La Forgia, Tark, Undiciperiodico, VageenaDispenser.

Ci può andare chiunque, dopo aver scaricato e lanciato il programma di Second Life e digitato le coordinate: Idearium, Grid Gallery (70, 151, 27).

P.S. quella nelle tre foto sono io, alias MaVi Broome, con fantastico cappello, maglietta rosa e pantaloni bianchi... ciò che non è possibile nella realtà non può essere frenato nel metamondo di Second Life!

2007-03-11T12:15:00.000+01:00

Circa 20 giorni fa ho scritto un articolo sulla mostra che Ferrara dedica al Simbolismo, dal titolo “Simbolismo e Contemporaneità”, che uscirà da domani nelle edicole sulla rivista Artjournal. Il mio intento era volto a mettere in evidenza la relazione tra quel movimento e l’arte contemporanea in molte delle sue forme, dall’Iperrealismo, all’Underground, alla Digital Art ed alla Video Arte.
Mi era parsa una bella idea. Già, tanto bella che questa mattina ho ricevuto via e-mail la cartella stampa di una mostra che inaugura alla Galleria d’Arte Moderna di Cento: Eredità del Simbolismo, una collettiva di molti giovani artisti.
Sono combattuta tra il piacere di vedere confermata una mia idea e la piccola delusione di dover condividere quella idea con altri.
Quindi, un po’ per orgoglio, un po’ per coloro che non potranno leggere la rivista, la cui tiratura copre solo le province di Bologna e la Romagna, vi annoio orribilmente riportando l’articolo in uscita qui di seguito… che non è obbligatorio leggere…

SIMBOLISMO E CONTEMPORANEITA’

Una mostra a Palazzo dei Diamanti di Ferrara sui maestri del Simbolismo e le riflessioni sulle nuove tendenze dell’arte contemporanea

Il bisogno di cogliere l’inafferrabile, il desiderio di mostrare un mondo differente da quello reale, il rifiuto verso le nascenti estetiche del Realismo e dell’Impressionismo dettero il primo impulso, poco dopo la metà dell’Ottocento, alla pittura simbolista. Artisti che, recuperando la lezione dei maestri del passato, indagarono le dimensioni dell’interiorità, del sogno e dell’immaginazione attraverso il simbolo, appunto, elemento rivelatore per eccellenza, secondo il suo significato originario di oggetto spezzato in due parti che possano ricomporsi per ridare vita ad un tutto significante.
Le tematiche sono tutte legate ad incubo e desiderio, morte e vita, immaginario e realtà, mito e conoscenza, enigma… espressioni di fantasmi interiori che di volta in volta, nella perfezione del segno, nella lucidità delle immagini, raccontano di un mondo sospeso che soltanto raramente poggia sulla realtà.
Quando nel 1886 Morèas storicizzò il Simbolismo scrivendone il manifesto, erano passati vent’anni almeno dalla sua comparsa. Ma chiudere la pittura simbolista in quello scritto è come cercare di imprigionare le nuvole. Si può dare confine a quel folto gruppo di artisti che operarono nella seconda metà dell’Ottocento fino ad oltre la soglia del Novecento, al Simbolismo come movimento appunto, ma la pittura che, attraverso il simbolo racconta di mondi non tangibili, è ovunque, sempre esistita. La morte, la donna, il mito, il sogno, il mondo interiore ideale o spaventoso… è la pittura stessa. Ed oggi, il Simbolismo con la sua lucidità ottica, è quanto mai tema da rivisitare e da confrontare alle nuove tendenze iperrealiste, a quel modo attuale di fare arte che pare essersi ricaricato di simboli, di valenze “altre” ed “oltre”, sia in pittura, che in fotografia, che in digital, video… tanto che si potrebbe azzardare per la giovane arte la definizione di Nuovo Simbolismo.
Così, Edward Burne-Jones, Carlos Scwabe, Odilon Redon, Pierre Puvis de Chavannes, Charles Maurin, e tutti i pittori di quel movimento onirico dell’arte, sono ancora più “leggibili” e sentiti oggi, e giustamente riproposti dalla mostra di Ferrara dopo circa quarant’anni di assenza dal panorama espositivo.
Si prendano ad esempio i disegni e la grafica di Redon, con il loro segno forte (Il Ragno che Sorride, 1888 oppure il Sogno che Guida gli Esseri è anche nelle Sfere, 1882 oppure ancora Sulla Coppa, 1879) od anche Alfred Kubin (Il Muro del Cimitero, 1902), per accorgersi che non sono poi tanto distanti dai lavori dei giovani emergenti che attingono al fumetto, o ad una certa espressione underground, di cui tanti esempi si vedono. E che dire della limpidezza statica de La Principessa Addormentata (Burne-Jones 1872-94), avvicinabile alle immagini digitali su cui i giovani si applicano ormai da anni in cui spesso compaiono boschi fatati e presenze silenziose, o del senso mistico che da qualche anno ha ripopolato l’arte di simboli e di immagini a metà tra il religioso ed il blasfemo? Siamo nuovamente oggi più che mai, nell’ambito visionario di un’arte capace di ricreare e reinventare realtà esistenti solamente nella fantasia, nel desiderio, negli spettri dell’inconscio. Ma, al contrario di quanto è accaduto dall’Informale fino ai primi anni Novanta con la terza ondata di Espressionismo che aveva portato con sé l’impeto di una raffigurazione artistica violenta ed emotivamente forte, astratta ed esplosiva, ora si rientra nell’immagine lucida, in un’emotività controllata e rivolta al valore del significato da ricostruirsi attraverso processi simbolici.
Non mancano certo artisti “forti”, capaci di presentarci spesso l’orrore senza alcuna mediazione, ma l’ambiente in cui tutto questo si presenta e ricostruisce, sempre così oggettivo e “vero”, non fa più alcun ricorso ad astrattismi e gestualità estreme. E’ l’accostamento della realtà con l’immaginario, del vero fotografico quasi indistinguibile dal fantastico digitale, della creazione di nuovi mondi, luoghi sognanti o dell’incubo, luoghi paralleli, dell’espressione di un’interiorità che si esprime attraverso racconti simbolici… così come accadde, con le possibili tecniche del tempo, nella seconda metà dell’Ottocento con la pittura simbolista.
La mostra di Ferrara, oltre ad essere una grande esposizione di opere mai viste riunite in un’unica sede, con eccellenze quali Klimt, Gauguin, Mondrian, Munch, Redon, Denis, solo per citarne alcuni, propone non soltanto un percorso ragionato attraverso un importante movimento artistico quale fu il Simbolismo, ma è spunto di speculazioni e riflessioni sul contemporaneo, sul nostro tempo e le sue espressioni.

Maria Vittoria Berti

Immagini:

Edward Burne-Jones
La principessa addormentata, 1872-94
Olio su tela, cm 123 x 237
Dublin City Gallery The Hugh Lane

Izima Kaoru
Igawa Haruka wears Dolce & Gabbana - 383, 2003

c-print, 180 x 240 cm, edition of 5 + 1 AP

2007-03-14T20:30:00.000+01:00

Sam Taylor Wood “Sex and Death and a few Trees”

Cosa mi piace di quest'immagine... la lucidità, il luogo, la luce, il senso... il vuoto.
C'è un rapporto inquietante tra la gravità e la sua assenza. Caduta libera, nessuna rete, nessun freno... un corpo si abbandona e cade. Oppure non può fare altro che cadere, cade senza volerlo... oppure ancora prova l'eccitazione adrenalinica lungo la spina dorsale e si lascia cadere, non si cura di cadere.
La stanza è vuota, bianca di luce... e lei, con quella maglietta e quegli slip, appena sveglia dal sonno, senza peso... anche senza volto. E' certamente mattino, ne sono sicura. E lei non ha nemmeno bevuto il caffè... tra poco sentirò il tonfo. Ma se rimanesse nell'aria e volasse, allora nessun tonfo, nulla di nulla, lei ancora sospesa nel vuoto dell'aria e della stanza... no, arriverà in fondo, certo che arriverà giù... mi copro le orecchie con le mani... chiudo gli occhi... mi riconosco.

2007-03-18T12:55:00.000+01:00

Joanna Concejo “Gerda” – illustrazione di una fiaba di Andersen

Qual è il confine tra l’illustrazione e l’arte, nel nostro mondo contemporaneo ubriaco di immagini, oscillante tra realtà e metarealtà, in cui noi stessi ci perdiamo tra i piani tangibili e quelli intangibili delle virtual lifes (eppure esistenti), nella dispersione dei limiti delineanti, nello sfuocato esistere di ogni cosa contemporaneamente, nella perdita di certezze (meravigliosa perdita se supportata da solide strutture umane), nell’interdisciplinarietà totale delle forme artistiche e culturali?
Non so… l’illustrazione dovrebbe narrare qualcosa, forse non narrarne il senso intimo, raccontarla senza accenti interpretativi. Posso ipotizzare che una sottile linea di divisione stia nella capacità di entrare nell’oscuro e complesso mondo dell’interiorità, raccontando qualcosa che vada oltre al semplice “mostrare”.
Ma fatico a trovare un vero confine… come rimettere ogni cosa entro i propri limiti, quando oramai tutto è tutto in ogni campo ed ha il fascino del possibile?
E non so nemmeno perché io mi stia facendo questa domanda… quale utilità possa avere… forse perché “Gerda” di Joanna Concejo, tavola che accompagna una fiaba di Andersen, ha una malinconia che si concentra ben oltre la perdita dei pattini, viene da lontano, inconsolabile, un dolore scuro come è scura l’ombra che copre metà del suo volto, che le fa tenere gli occhi stretti e fissi su di un punto in basso e le spalle abbassate, un dolore che porterà con sé per sempre, da cui non si separerà mai. Bambina cui una rassegnata consapevolezza ha dato caratteri da donna, immobile figura dalle mani giunte… i pattini sono soltanto un mezzo… l’illustrazione è soltanto una scusa… tenui colori che non brillano, segno sottile come la tristezza che si annida dentro, silenzio discreto…

2007-03-19T18:47:00.000+01:00

Yasumasa Morimura – “Twins”

Das Unheimliche lo chiamava Freud, il perturbante, l’inquietante. Un cambio di gioco che ci sbaraglia, ciò che abbiamo assunto come familiare e che all’improvviso si manifesta differente, creando uno iato psicologico forte.
E’ su quella frattura che Morimura ci colpisce… trasformazioni inquietanti, ibridi senza sesso, traslati di donna e di uomo. Citando le opere del passato le rivisita confondendo i personaggi, si inserisce con il proprio volto ed il proprio corpo in un tempo da riscrivere e da ricrearsi, trasforma i propri dati ed è uomo e donna, transgeder mutevole.
Per la cultura giapponese il passaggio da un sesso ad un altro è cosa che viene da lontano: se ne trovano esempi anche nella letteratura shojo manga per adolescenti sin dal 1953. In questo senso Morimura rimane artista legato alla propria tradizione. Qui l’Europa cattolica ha altre reazioni…

per G.

Prendi le mie calze nere… gioca con me… libera la fronte dai capelli, voglio stenderti cipria chiara sul volto, truccarti gli occhi… poi il rossetto… … … sei bellissimo.
Ti confondi tra la tua stessa passione e la testa, tra l’evidenza e la sensazione. E’ qui che voglio stare. Nelle tue zone buie, nell’oscuro senza vergogna, nel fondo più basso di entrambi, dove l’aria è viziata. C’è un luogo sotto la pelle dove il vero è assoluto, dove si incontrano i meravigliosi spettri che siedono sulle nostre spalle.

“Tesoro… mi hai spaventato, lo ammetto”

C’era una stanza dove avremmo dovuto incontrarci e scambiarci, c’era un muro con una larga crepa, c’era un gorgo aperto nel mare ed il profondo blu degli abissi, c’era il canto delle sirene, c’era un utero molle, c’era un pianeta nella notte su cui arrivare, c’era la guerra per il nostro coraggio, c’era un bicchiere di liquori mescolati, c’era una città senza regole, una grotta nascosta nel bosco, la soffitta dei sogni con la porta socchiusa, migliaia di immagini in cui riconoscerci, coltelli affilati, caramelle, mani e sguardi, poesie d’amore ed incensi, labirinti, specchi… … …

2007-03-22T21:08:00.000+01:00

Sophie Calle “Drama Box”

Ci sconvolge l’assenza, temiamo l’attesa. Donne dentro… fuori lembi sovrapposti di chiarezza, pettinature composte e vestiti alla moda. Vi sorridiamo leggere, ammicchiamo dietro il vetro sottile di bicchieri che teniamo all’altezza del naso, e non vogliamo proprio darvi importanza…
Ma le nostre camere sono vuote ed abbiamo orrore dei telefoni silenziosi.
“Squisito dolore” lo chiama Sophie Calle nella consapevole e dolce femminilità di cui è sempre interprete. Il letto è disfatto, il telefono è rosso. La presenza è solo malinconia, nostalgia, intangibile forte presenza. Simulacri della verità delle donne, spettri interiori, mancanza… è la stanza intima, lo stomaco, ciò che non vogliamo mostrare.
Non si può mai dire: “sto male quando ti aspetto e ritardi… quando non chiami”…
E’ come la morte, quando qualcuno se ne va. E’ il silenzio nero.

Per G.

Questa è la verità… secondo me… un viaggio in ciò che si è senza pudori… un regalo. Secondo te, forse, un motivo per essere più spaventato.
Be my knife secondo David Grossman.

2007-03-25T22:03:00.000+01:00

Oleg Kulik “I Bite America and America Bites Me”

Oleg Kulik è l’artista cane. Discende agli inferi dell’essere, incatenato, inferocito, nudo. Come un cane cammina a quattro zampe, ringhia e mostra i denti. Oleg Kulik è un’esplosione di rabbia. E’ forza animale, è ribellione.
“Io mordo l’America e l’America morde me” è come dire “io mi incazzo e combatto, sono pronto ad azzannare ed a farmi azzannare, a sporcare i miei denti di sangue ed a sopportare la ferita di denti altrui nella carne, e poi vediamo, chi vince.”
Non è disposto a stare silenzioso, non porge l’altra guancia.
Chiuso in una gabbia, abbaiando contro le sbarre, esplora il freddo del pavimento e la prospettiva delle cose viste dal basso, il collare che ferisce la pelle… sfonda la condizione umana e con disprezzo si impasta in altre sembianze, cerca altre dimensioni della carne, siano pur esse animali. E’ un viaggio oltre la presuntuosa forma dell’homo sapiens, ed invidio il suo coraggio, io che non posso fare altro che stare seduta composta con gli occhiali sul naso.

2007-03-27T10:49:00.000+01:00

Jacob Hashimoto - Installazione

Lo zen non si dimentica, non si spazza via con un colpo d’America. Per la verità Hashimoto è artista americano con gli occhi a mandorla ed il cuore razionale e leggero come un colpo di vento, fedele per volontà o ereditarietà alla sua cultura che spazia tra l’aria e la sabbia, il mare ed il pensiero.
Con rigore e pazienza costruisce impalpabili sculture in carta di riso, installazioni che, al solo passaggio di qualcuno accanto, si muovono ed ondeggiano, prendendo vita anche solo da un soffio.
Le opere di Hashimoto sono fruscii ordinati e ragionati come vere architetture, sono equilibrio di forme, pensiero, eleganza, sospensione, mancanza di gravità ed allo stesso tempo, molteplicità di elementi… sono come il Giappone che si sogna, non certo quello reale, ma la sua idea, la sua filosofia, la sua essenza.
Di fronte ai suoi lavori si tende l’orecchio… la leggerezza ci porta in uno stato mentale fatto di natura e vento, soffio e serenità.
Già… la leggerezza… quando ogni mattina ci svegliamo come masse inconsapevoli, ci diamo al mondo ancora con la notte sulle spalle e la sua presenza fitta di buio e creazioni fantastiche visitate nel sonno. La leggerezza che non si conquista mai, se non con una scorta infinita di maturità e saggezza… quell’atteggiamento che ci fa vedere le cose libere (se mai è possibile) dall’impasto di noi stessi che vi buttiamo sopra come catrame. Non è inconsapevolezza, ma un nuovo sguardo infinitamente consapevole, capace così di guardare davvero senza per questo specchiarsi sempre all’infinito e cadere nell’autoreferenza continua. Per quanto sia impossibile uscire dal sé si dovrebbe imparare a vedere, a stare nudi e vedere… ciò che è così come sarebbe senza di me, tentare, almeno.

2007-03-28T23:37:00.000+01:00

Hideko Kawachi “Es Koennte Viel Bedeuten”

“Queste scarpe sono il mio lavoro. Sulle loro suole è impressa una poesia di un poeta tedesco. La poesia sarà stampata sulla strada quando camminerò. Indossando le scarpe questa poesia si perderà lentamente.

La poesia recita:

Può significare molto; Noi passiamo oltre,
Arriviamo senza domande e dobbiamo andare via.
Naturalmente parliamo, ma non comprendiamo gli altri
Ed in nessun momento raggiungiamo la mano dell’altro,
quindi siamo finiti; non dobbiamo stare:
Già l’esperimento è minacciato da un segno sconosciuto,
e la profonda e lungamente amata speranza si è schiantata su di una croce
che ci confina nella solitudine.”

Hideko Kawachi “Sewing”

“Voglio riprendermi la consapevolezza del corpo con un senso, il dolore.”

Fino a dove posso, fino a dove io sono? Dov’è l’ultimo confine, e per quanto ancora dovrò camminarmi dentro a passi pesanti per chiamare ogni piccolo sasso di questo lungo sentiero con il suo nome? Voglio esplorarmi, scandagliarmi, incontrare ciò che di me sta sul fondo di un oceano scuro. Non avrò paura, né mostri né spettri mi parranno meno dolci della mia faccia allo specchio.

2007-03-30T21:43:00.000+01:00

Marcel Lì ed io a Miart 2007

Inaugurata Miart. Entro… accredito giornalisti… PRIMA NOTA DOLENTE: il materiale mi viene consegnato in mano in una carpetta… nessun “portacarpetta” dedicato, che poco stile! Abituata ad Artefiera dove dentro ad una borsa con comodi manici vengono stipati cataloghi, cataloghini e cataloghetti, informazioni su tutte le iniziative possibili, ci sono rimasta maluccio… sarò costretta ad aggirarmi tra gli stand con questa cosa tra le mani, stando attenta a che non fuoriescano fogli.
SECONDA BEN PIÙ GRAVE NOTA DOLENTE: non consegnano il catalogo nemmeno a richiesta. E come dovrei fare a scrivere l’articolo? A memoria?? Per migliorare la cosa non hanno nemmeno provveduto a consegnare ai giornalisti un cd di immagini, complimenti!
TERZA NOTA DOLENTE: non esiste una sala stampa! Sempre ad Artefiera c’è una comodissima sala stampa completa di salotti, computer, snack bar.
E se non c’è la sala stampa non c’è nemmeno il relativo guardaroba, QUARTA NOTA DOLENTE, e fa un caldo insopportabile.
Mi guardo intorno, prima occhiata generale: ambiente abbastanza squallido, pareti e soffitto anneriti, pavimenti con pezzature che evidenziano alcuni interventi riparativi, punti in cui il materiale di copertura si solleva, orribili tende bianche verso l’uscita al terrazzo: QUINTA NOTA DOLENTE.
Incontro subito Marcel.Lì presso lo stand della Galleria d’Arte Moderna di Gallarate, PRIMA NOTA DI MERITO, facciamo calde presentazioni, ci scambiamo indirizzi di posta, mi illustra il video della sua ultima performance, mi invita a Gallarate alla sua mostra che chiuderà il 29 aprile. Gentilissime le addette allo stand che mi accolgono con grande interesse e professionalità, SECONDA NOTA DI MERITO, e mi consegnano altro materiale in carpetta. Con Marcel andiamo a bere qualcosa al bar, ovviamente offro io, ed i prezzi sono assolutamente corretti: TERZA NOTA DI MERITO, il bar di Artefiera a Bologna ha prezzi proibitivi. Poi Marcel mi accompagna presso lo stand di una galleria di cui non faccio nome dove vorrei presentarlo, mi pare una buona cosa. Ahi ahi ahi, G., non ci si comporta così davanti ad uno dei più grandi artisti del mondo, la sufficienza che hai dimostrato la potevi proprio lasciare sul divano di casa tua, alla faccia dell’aria professionale che invece vorresti tanto portare avanti! … PRIMA NOTA DOLENTE AD PERSONAM.
Faccio un primo veloce giro con Marcel, c’è un interessante artista in una galleria messicana, peccato che si siano dimenticati di apporre i cartellini e presso lo stand non ci sia nessuno… forse bevono allegramente al bar… SECONDA NOTA DOLENTE AD PERSONAM… non saprò mai chi è quell’interessante artista e non potrò mai citarlo.
Saluto Marcel e comincio il vero tour della fiera… begli artisti, livello abbastanza alto, ma tutte cose già viste. Grande apprezzamento per la parete dedicata ad Erwin Olaf, QUARTA NOTA DI MERITO.
Vado a vedere le gallerie bolognesi, mi fermo a parlare con Paolo Nanni vestito da Underup, (solo i bolognesi capiscono, peccato), conosco Marco Bolognesi (che ripetizioni!) il cui ottimo lavoro seguo da qualche anno, passo all’Ariete, alla Arte&Arte, da Forni, e alla NT che ha uno stand piccolo ma di grande gusto. Parlo con il titolare che mi dice di avere fatto più volte domanda per Artefiera, ma di non essere mai stato accettato, mentre Miart gli ha sempre confermato la presenza… Commento: ??????
Incontro tantissime persone, chiacchiero ed ogni tanto bevo un flut di frizzantino gentilmente offerto dall’organizzazione, QUINTA NOTA DI MERITO.
Quando la stanchezza si fa sentire comincio con i saluti.
G., ma perché sei così sgradevole? Oserei dire maleducato.
Bacio la guancia di Marcel.Lì ed esco.
Conclusioni:
NOTE DOLENTI: 5
NOTE DI MERITO: 5
NOTE DOLENTI AD PERSONAM: 2
Quindi, a parte qualche incapace o maleducato Miart è in pareggio, ma la strada per raggiungere Artefiera è lunghissima ed impervia.

2007-04-01T14:31:00.000+01:00

Paul Winstanley “Century City” olio su lino

Perchè dipingere qualcosa con la stessa precisione di una fotografia, a partire da una fotografia, senza scarti né accenti?
Eppure un certo iperrealismo ha fascino, cattura lo sguardo, e non soltanto per i profani d’arte che vengono rassicurati da un’immagine riconoscibile… non certo per questo.
Vorrei superare, in questa riflessione, il bisogno di dimostrazione di bravura artigianale di alcuni artisti, vorrei non tener conto dell’autocompiacimento. Sono convinta che la spiegazione non sia questa, sarebbe troppo facile.
Ma cosa spinge un pittore ad alienare completamente il sé da ciò che dipinge, a ritirarsi dal gioco e ripetere la realtà così come ha già fatto o può fare un obiettivo fotografico? E’ lo specchio di una massa umana che impedisce a ciascuno di trovare il suo ego irripetibile, forse qui è il messaggio.
Winstanley è unico in questo, unico nella sua assenza, e paradossalmente veniamo a contatto con il suo esistere attraverso le opere. C’è, ci sono i suoi quadri, ma non c’è altro che la scelta di un’inquadratura o di un soggetto. Come resiste alla tentazione? Come ferma il pennello nell’attimo esatto in cui sta per lasciarsi andare a qualche confessione?
Mi ricorda Mondrian, il rigore con cui escluse qualunque curva, rotondità, ombra. Mondrian però aveva elaborato un proprio mondo “freddo” ma originale… Winstanley invece non ha cercato altro che ciò che già è, guarda da fuori. E’ il solo atto del dipingere che “firma” le sue tele di lino, come l’atto di vivere “firma” l’esistenza di ognuno. Questo è il mondo in cui gli uomini si sentono persi, consumano anni e vita senza essere altro che presenze di viandanti. E l’arte è sempre specchio della realtà. Viviamo nella totale libertà dai canoni che ci avevano aiutati a definire noi stessi fino a poco tempo fa. Siamo nel tutto possibile, nell’era del mutante di ogni cosa verso ogni altra, dei non confini siano essi geografici o meno, nella frantumazione di tutto ciò che prima era saldo e fermo, nel nuovo pazzo mondo di internet, che ci disperde, ci dona l’ubiquità, annulla le distanze, siamo nella confusione delle razze e delle religioni, dei sessi e dei ruoli. E siamo insicuri… siamo forse ancora piccoli per tutto questo, che corre veloce, così veloce che ci precede ad ogni tappa. Siamo confusi, percepiamo come innaturale tutto quanto sta accadendo. Abbiamo bisogno di fermare alcuni punti, non possiamo lasciarci sfuggire tutto e travolgere. Credo sia questo bisogno a riportare l’oggettività ed il realismo assoluto nell’arte. Qualcosa che si riconosca al primo sguardo, che ricostruisca quelle sicurezze che nel mondo abbiamo perduto, che ridefinisca le cose secondo grandezze a noi percepibili, che esplori nuovamente le forme così come le conoscevamo, prima di tutto. Dobbiamo ritrovarci sulle cose percepite da tutti, abbiamo bisogno di ricostruire un mondo chiaro, di nominare ancora le cose in modo preciso.

2007-04-01T23:18:00.000+01:00

Susanne Wollowski “Ohne Titel”

Vestirsi di carne. La carne che sembra lana soffice, bianca, molle, adattabile. Una figura fiamminga, un abito elegante, ricco, nel suo biancore. Ma è carne. Marcisce, emana un odore orribile, ha una consistenza viscida al tatto. La signora è composta, con quella sua mano al petto, come una donna leonardesca, riservata, nobile. Ma indossa macelleria. Si deteriorerà come cadavere. Nella foto conserverà per sempre biancore e freschezza, non perderà il suo senso soffice, nè la sua forma. Carne che copre carne. Deve essere disgustoso avere addosso quelle reliquie di animale sulla pelle nuda, assorbirne l’odore… cibo crudo, cibo da povere mense, ma lei è fiera, nel suo abito che evoca il passato artistico senza equivoci… quei bei lucidi ritratti che ci vengono dalla storia dell’arte. Risultato raffinato, richiamo irresistibile. Messaggi diretti alla bocca, agli occhi, allo stomaco, al pudore, ai sensi. Aspetto angelico e sostanza raccapricciante. Contrasto. Ha fascino il contrasto. Ci chiama e ci respinge, ci vuole e ci rifiuta. Nel contrasto tutto è possibile, ogni cosa ed il suo contrario. Odio la coerenza. Che non è mancanza di valori né mancanza di stile. Odio i coerenti, quelli che non escono mai oltre i confini del territorio a loro dato, quelli che non cambiano idea, quelli che dall’incoerenza non si lasciano affascinare, quelli che non percepiscono la grandezza degli opposti. I coerenti non vibrano.

2007-04-04T15:20:00.000+01:00

Ene Liis Semper “Oasis”

Donna-terra, fertilità, seme, spogliata anche dei capelli, prodotto puro della natura, confusa nella natura e con la natura, parafrasi e metafora di femminilità, annullata nell’assoluta funzione biologica. Privata di ruoli sociali e dell’intelletto, della donna in fondo rimane questo, una matrice di carne, una terra fertile. Io non ho voluto figli.

2007-04-05T00:09:00.000+01:00

Jacques-Louis David “Marat Assassinato”

Paul Marat fu ucciso nella sua vasca da bagno il 5 di aprile. Oggi è il 5 di aprile. E’ il mio compleanno. Ma non importa. Anno 2000, agosto: ero a Bruxelles per caso, tra un volo per Bologna ed uno da Helsinki, avevo troppo tempo per stare in aeroporto. Ho preso un treno metropolitano e sono andata a vedere la città. Musée Royaux des Beaux-Arts. Piani e piani di arte contemporanea. Poi il quadro di David. Da solo in una stanza rettangolare. Un divano rosso davanti. Un silenzio che aveva consistenza materiale. Io ed un giovane giapponese seduti uno a fianco all’altro, senza movimenti né palpiti. Chissà quali pensieri, chissà quali storie. Due mondi lontani con un filo conduttore… eravamo entrambi lì, davanti a quel quadro vibrante, meraviglia inaspettata. Vederlo davvero, sotto le luci che inaspriscono le zone scure ed esaltano la lucidità dell’olio… esserci.
Oggi è il mio compleanno.

2007-04-06T00:01:00.000+01:00

Reno Larson “Barbie”

Hanno violentato Barbie. E’ rimasta a terra scomposta, con la faccia sporca e livida, immobile con gli occhi chiusi, l’innocenza bianca dei calzini da bambina. Tutto si è consumato nella romantica casetta rosa, casa di Barbie… casa di bambola, direbbe Ibsen. Larson e Ibsen raccontano in fondo una storia simile. Costruiscono ambienti frivoli e zuccherosi che nascondono profonde verità. Rompono gli incantesimi, e mostrano delle stupide fiabe il lato nero. La violenza è sempre tale e non importa ricevere schiaffi per darle comunque nome. Nella casetta dei sogni il sogno è finito. Rimane il colore pastello e l’ordine immacolato… un cane giocattolo dal muso felice.
Da un certo momento della vita si comincia a camminare sui cocci aguzzi delle proprie favole infrante… e si perde l’incanto ad ogni passo, e non fa quasi più male… poi il dolore diventa ricchezza. Storia di quasi tutti.

2007-04-08T13:18:00.000+01:00

Gabriele Arruzzo “Senza Titolo (Working Class Hero)

E’ Pasqua. Cosa sarebbe accaduto se un’amorevole Alice avesse liberato Gesù dalla corona di spine? Se fosse apparsa dal suo paese delle meraviglie, come una tenera visione, e con la sua lucida innocenza di bimba delle fiabe, avesse sottratto il figlio di Dio al calvario della crocifissione, avesse interrotto la passione e così cambiato la storia?
Arruzzo fa il gioco del “se”, della fantasia delle mille possibilità, quando ci si diverte a riavvolgere il nastro delle cose e si torna ad un punto preciso dal quale modificare gli eventi. Spesso inventa nuovi miti e nuove storie, assembla nuovi significati simbolici, semplici o complessi.
Le sue figure provengono da immagini sacre, dai libri delle favole, dalle tavole illustrate del passato artistico, dai grandi maestri della storia dell’arte. Ingigantisce con il pennello le linee proprie della grafica, così come Lichtestein riportava sulla tela i punti della stampa. Il suo è un pop contemporaneo, nel quale trovano spazio elaborazioni di concetti personali, una certa critica allo stato delle cose, una visione che prende vita nell’accostamento dei personaggi e nelle loro azioni. Ci voleva Alice per salvare Gesù, con i suoi capelli biondi ed il suo bel nastro rosa. Ci voleva l’incanto della fanciullezza che non comprende l’ingiustizia, sarebbe bastato un cuore semplice ed onesto. E noi non avremmo la Pasqua… chissà se sarebbe stato meglio. E’ il solito gioco del “se”.

2007-04-11T12:23:00.000+01:00

Bill Turpin “Prosthetic Make-up”

Del potere ammaliante dell’orrore, dell’umana curiosità macabra, dello sguardo cattivo e senza pudore… La bellezza interrotta e irrimediabilmente finita, quella altrui, mai la propria: un voyeurismo torbido per qualcosa che accade al di fuori di noi e di cui siamo curiosi, come quando si ferma l’auto e si scende per vedere i feriti di un incidente. I film dell’orrore, il fascino dell’orrore, l’erotismo dell’orrore. Rimanere a guardare, giocati tra il piacere ed il disgusto, ma stare lì a puntare gli occhi, su uno o più particolari, fissarli nella memoria… guardare per non avere paura… non è coraggio, è esorcismo. Come resistere al rossetto che delinea con perfezione le labbra carnose e lucide, come non guardare quel naso piccolo e ben fatto, la pelle liscia e rosa… ma l’attrazione è il taglio, il pensiero di quel bel volto deturpato, il contrasto tra la bellezza e la deformazione che ha una forza magnetica, l’altezzosa superbia con cui ci viene mostrato. Guardiamo dritti alla ferita, cerchiamo di scrutarne ogni millimetro per capire se sia aperta o cicatrizzata, e ci facciamo trasportare fino a dentro quella bocca attenti a non macchiarci di rosso.

2007-04-13T12:29:00.000+01:00

Sigalit Landau “Standing on a watermelon in the Dead Sea”

L’equilibrio… e la precarietà. Viviamo sospesi tra realtà differenti, tra il chi sono io e chi sono gli altri, tra la ricerca di una collocazione reale ed una mentale. Si galleggia cercando di trovare un baricentro, a volte più ed a volte meno fuori dall’acqua. Che poi l’acqua rappresenti una sfera affettiva, un mondo altro, un qualunque stato, e l’aria un qualunque altro, non importa molto. Potremmo leggere questa immagine cercando di individuare il rapporto tra l’affettività e l’indifferenza del mondo esterno, e la difficoltà di metterle in relazione. Oppure potremmo ampliare cercando di vedervi il difficile riconoscimento del sé in ambiti diversi, quell’io che credo di essere e quello che lo stesso io è per gli altri. Oppure ancora, domandarci perché mai ci si senta sempre faticosamente in equilibrio, cercando, con le braccia aperte, di rimanere il più a lungo possibile in un punto di accettabile e possibile baricentro. Non si è mai davvero aderenti alla vita che si vive. Siamo costretti ad identificazioni continue e mutanti di noi stessi, costretti a specchiarci nel resto del mondo, faticando a riconoscerci. Si cerca di non cadere e di mantenere un difficile equilibrio su di una sfera scivolosa e precaria.

2007-04-16T13:21:00.000+01:00

Peter von Felbert “Karin”

Karin è immersa in una certa solitudine felice del cuore, si lascia accarezzare le gambe dall’erba alta, cammina ragionando serenamente su di sé e la propria vita. Va verso qualcosa annusando i profumi della campagna e di quella campagna è parte e non protagonista… altrimenti sarebbe nel centro dell’inquadratura. La fotografia ha qualcosa di familiare, come se fosse rimasta per anni nel cassetto dei ricordi ed avesse perso la sua limpidezza… il cielo è sbiadito e diventato bianco, i colori sono un po’ ingialliti e meno brillanti, le ombre si sono appiattite, una patina leggera ne ha velato l’immediatezza vivace. Effetti voluti. Von Felbert ama Karin come si ama chi ci accompagna semplicemente nella vita, con la serena quotidianità che affonda nei ricordi del tempo che passa, come una donna che si tiene accanto per sempre, come la foto scattata una domenica di tanti anni fa, rimasta nell’album.
Mi ricorda Monet…

Claude Monet “Papaveri”

un grande campo in discesa, gli alberi sulla collina, la figura umana in basso che sta uscendo dall’inquadratura verso l’angolo. Una passeggiata nella natura durante una giornata tiepida. Un quadro familiare… una domenica qualunque all’aria aperta, una “ripresa” affettiva, la spensieratezza del sole verso l’estate che sta per arrivare.
Domeniche di chiunque…

“Ai Prati di Mugnano, 15 aprile 2007”

anche nostre, che viviamo nella nebbia tanti mesi e ci scaldiamo al primo sole intenso della primavera inoltrata. Anche la nostra, cari amici, è stata una domenica affettiva. Nulla di speciale, da Von Felbert a Monet, passando attraverso la vita di chiunque, speciale per noi però…
Questa volta sul mio blog ci siete anche voi.

2007-04-18T17:29:00.000+01:00

Skip Arnold - Performance (Skip all day under glass plate in the entrance of the fair)

Non curarti di me, vivi come se io non ci fossi, lasciami nell’indifferenza. Cammina con le tue scarpe nuove, io da qualche parte riuscirò a seguire i tuoi passi… sarò silenzioso. Abitiamo mondi differenti, io parte della terra, tu parte dell’umanità. Ho pensieri ma non li confesso, e se lo facessi non mi ascolteresti. Ho pensieri, ma ora non faccio altro che annusare quest’odore umido che dalle narici sale fino al cervello. Mi vesto della tua ombra, e tu non saprai nulla di me. Non guardi mai in basso, sei veloce, hai mete da raggiungere. Io rimango qui, io che non sono nulla di umano, per te così confusa nella vita. Sento la tua voce come se venisse da molto lontano, sento che vivi, e mi accorgo che non vorrei esserti di fronte, uno come gli altri che sfuggono nell’onda inebriante di te. Da qui sono solo presenza che non ti occupa e non vuole nemmeno spostarti i capelli dal viso. Ci sono ma non importa… tu cammina, passa, ritorna. Non c’è bisogno che mi guardi, sono qui anche se non mi vedi, e per te voglio essere meno di nulla. Ti infastidisco? Testimone scomodo… capisco. Mi dispiace costringerti alla mia nudità immobile e silenziosa, ma il mio silenzio e la mia nudità sono l’unico modo per raggiungerti. Lo so che adesso mi vedi, non sei più indifferente e forse stai ridendo di me. Non farò nulla comunque. Solo da qui, da questa terra, posso esistere per te che corri. Adesso ti ho costretta a me, ti ho ingannata… in qualche modo cambiata. Senza mani, senza fare nulla, senza guardarti. Solo perchè esisto.

2007-04-22T15:20:00.000+01:00

Jenny Tapanila “Uniqueless”

Non è per morire… è per quel viaggio intenso… poi cosa importa se conduce alla fine. Toccherò l’ultimo attimo, quando il candore sarà già intriso di rosso. Ho indossato il kimono bianco, ho messo la cipria chiara. Deve essere un contrasto forte. Senza esitazione, con la lunga calma di un gesto già deciso che deve compiersi, continuerò a stringere questo coltello nel pugno, fino a che, lentamente, non avrò in ogni attimo conosciuto questo viaggio, ed il vero assoluto. Deve essere un piacere gustato fino a fondo… a fondo. Senza distrazioni. Con gli occhi chiusi. Ho coraggio. Ottengo ciò che voglio. Conoscerò tutto di me, in questo tempo immenso, dalla punta all’impugnatura. Caldo freddo bianco rosso.
“Tu sei per me il coltello con cui frugo dentro me stesso” scrisse Kafka a Milena nel 1917. Ma io faccio da sola. Vale una vita.
…

Jenny, Jenny, Jenny… cosa c’è dentro quel rosso di cui ti bagni, che bevi, che fai sgorgare con il piacere del sesso… è il dolore che ti conduce al punto meraviglioso della verità? Fotografi con una precisione assoluta, scegli inquadrature perfette, rendi al sangue il suo giusto valore, lo ami e lo senti con coraggio. Eppure la tua terra è bianca, immacolata, per inverni che sembrano non trovare mai fine, tagliati al mattino da raggi di sole accecanti. Poi il buio, ore di buio, mesi di buio. E’ durante l’oscurità? E’ al freddo? Cosa fa una goccia di sangue che cade sulla neve? Piccoli solchi rossi? Un cielo di neve stellato che ricorda di te almeno fino alla primavera.

2007-04-27T16:38:00.000+01:00

Franko B “Homage to Bob Flanigan & me” - Marena Rooms Gallery- Torino

Grazie Franko, per avermi invitata a Torino… sono state giornate bellissime ed intense. La tua mostra personale è come sempre un evento che fa riflettere, e, dato che mi è parso tu ci tenessi molto, ti ripeto che il grande cuore di neon pulsante nella prima sala della galleria è davvero emozionante, come ognuno dei tuoi lavori che già conoscevo.

Franko B “House of Love” Installazione - Marena Rooms Gallery – Torino

Belli i quaderni di disegni, soprattutto quello in cui hai creato una serie di stati d’animo che si avvicendano pagina dopo pagina. E molto intense anche le proiezioni presentate al 22° Gay Film Festival, quella per la regia di Viktor e quella che tu stesso hai diretto, il tuo diario filmato, con la tua forza e la tua capacità di entrare nel vero delle cose e toccare i punti più remoti della coscienza senza scuse. Bellissimo anche il film documentario della simpaticissima e vitale Mary Jordan, Jack Smith and the Distruction of Atlantis, belli molti dei cortometraggi, bravi tutti, davvero.

Foto di gruppo - Giuseppe Savoca, Franko B, Tom ed io

Grazie anche al gentilissimo Giuseppe Savoca, ed a tutti coloro che si sono impegnati per il mio tempo trascorso lì, i ragazzi dell’ufficio stampa e dell’accoglienza. Ho conosciuto molte persone che valeva davvero la pena conoscere e sono molto felice dei tre giorni torinesi… Torino rimane la città italiana che amo di più… dopo la mia Bologna, ovviamente.

2007-04-30T10:50:00.000+01:00

Michele Salemi “Alberi”

MICHELE SALEMI, a cura di Maria Vittoria Berti
Galleria Pivarte, Bologna, via Azzo Gardino 8
dal 18 maggio al 7 giugno 2007
Inaugurazione venerdì 18 maggio ore 19.00

Giorni di grande lavoro questi… oramai agli ultimi momenti dei grandi preparativi per la mostra di Michele Salemi che sto curando per la Galleria Pivarte di Bologna, nuova nata. Lo spazio è immenso, non facile da comporre… grande responsabilità…
Ho scelto un pittore: le sue tele enormi e le sue miniature, lavori vaganti tra diversi gradi emotivi, capaci di suscitare intime memorie e folli scarti del cuore, passaggi tra diversi stati d’animo.
Per il futuro della galleria altri grandi progetti in cantiere… avrò da lavorare.

p.s. venite tutti all’inaugurazione